CENA DE EMAUS .

Fue una de sus obras con más prestigio, la cual fue pintada en 1601, y, si bien el pintor rechaza desde el comienzo la característica belleza ideal del Renacimiento, basada en normas estrictas, ha sido severo al eligir el camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de preparación previa a la obra.
 Es un tema evangélico muy tratado en el arte.

 Destacamos la técnica del claroscuro que está cuidado al detalle, realismo en la representación de los personajes y la ausencia de idealismo .

La escena de este óleo narra los primeros pasos de Cristo resucitado. Habiendo encontrado éste a dos de sus discípulos en el camino a Emaús, los hombres no reconocen a su maestro hasta el momento de la cena en una posada, pues al bendecir Jesús el pan y el vino reconocen el gesto de la Eucaristía , a su Señor. Caravaggio ha utilizado una composición muy frecuente en la pintura veneciana, en especial de Tiziano, con Cristo en el centro, acompañado de un sirviente. Sin embargo, ha llenado la escena de sutiles indicativos de la divinidad y el misterio desvelado de la resurrección, que algunos, criticaron por ser inapropiados. Uno de estos elementos fue el cesto de frutas que adorna la mesa: copiado literalmente del Cesto de Frutas , se censuró el que contuviera frutos de otoño, cuando la resurrección había tenido lugar en primavera. Sin embargo, como apreciamos en el comentario del citado Cesto, cada fruta es una alusión simbólica: la manzana al pecado original, la granada a la pasión, etc. Por otro lado, el resto de los manjares resume los elementos de la Eucaristía: el pan, el vino y la jarra de agua. Los gestos y las posiciones de los personajes también nos indican el verdadero significado de la escena: Cristo bendice el pan con el mismo gesto del Dios Creador del Juicio Final de Miguel Ángel. Pedro extiende sus brazos en el mismo gesto de un crucificado, como lo fue Cristo y como lo habría de ser el apóstol más tarde. Sólo los discípulos pueden reconocer el gesto de Cristo, por lo que el criado, ignorante de lo que está presenciando, no se ha descubierto la cabeza como haría si reconociera al Mesías. Un último detalle que revela la divinidad de Cristo oculta a los ojos humanos es la sombra que el criado proyecta sobre el fondo pero no sobre Jesús, quien parece iluminado por una luz interna.

CARAVAGGIO .

Michelangelo Merisi da Caravaggio nació en el año 1571 en Italia.

Con el tiempo se convertiría en uno de los exponentes más destacados de la Escuela Naturalistasurgida en Italia como oposición a la Corriente Manierista triunfante durante el siglo XVI.
Comenzó a estudiar en Milán, bajo la tutela de un maestro manierista de segunda fila llamadoSimone Peterzano .
Como persona, se lo ha definido como revolucionario; tanto por su vida turbulenta como por su pintura, en la que se plantea una clara oposición ante el Renacimiento y el Manierismo.
Caravaggio siempre buscó, ante todo, la intensidad efectista a través de altos contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una presencia física de vigor incomparable.

En el año 1606 Caravaggio comete un crimen al matar a un hombre en una reyerta y se ve obligado a huir de Roma, lugar al cual, muy a su pesar, nunca pudo volver.
Por tal motivo los cuatro años siguientes transcurren básicamente entre Nápoles y Sicilia

Finalmente el artista fallece en el año 1610 en una playa solitaria, aquejado de malaria.

EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA .

Esta es la obra mas conocida del escultor Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) situada en la iglesia de Santa María de la Victoria, en Roma. Fue encargada por la familia Cornaro.

En la obra destacan dos figuras; empezando por la izquierda, nos encontramos con un ángel que sonríe pícaramente después de haber clavado en el corazón de la santa una flecha de amor cristiano. Éste luce una especie de manto con multitud de pliegues, en su mano derecha porta la flecha que acaba de utilizar y también luce dos hermosas alas en su espalda.

A su lado podemos divisar a Santa Teresa en pleno éxtasis; con la boca entreabierta y los ojos cerrados que hacen que el rostro transmita una sensación de mezcla entre dolor y placer. Su cuerpo parece caerse pues sus brazos y piernas están flácidos, ella luce un exagerado manto lleno de pliegues que dan la sensación de hacerlo muy pesado, y bajo éste encontramos un cúmulo de vaporosas nubes que flotan bajo ella.

Sobre las dos figuras caen diversos rayos realizados con bronce que nos dan la sensación de ser rayos de luz que proceden del sol que alumbra a los personajes.

En la obra podemos apreciar el rostro exagerado de la santa como es típico en la escultura italiana barroca. La multitud de pliegues que forman sus ropajes hacen que se aprecien contrastes de claroscuro. También consta de diferentes puntos de vista y como bien se puede apreciar las figuras están en plena acción transmitiéndonos movimiento. Están realizadas en mármol blanco.

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APOLO Y DAFNE .

Apolo y Dafne es una escultura realizada por el italiano Gian Lorenzo Bernini entre los años 1622 y 1625 . Pertenece al estilo barroco . Se trata de una estatua a tamaño real de mármol , expuesta en la Galería Borghese en Roma.

Bernini captura la transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios. Al igual que sucede en otra de sus obras, el Rapto de Proserpina , la obra nos pide que interactuemos con ella: vista desde la espalda de Apolo, la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el árbol en que se transforma, de modo que girando alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo de la metamorfosis de la ninfa.

La contraposición de los elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la escultura helenística de la que bebe Bernini. También en el periodo helenístico existía esta percepción de Apolo como un muchacho  joven y delgado, con un peinado casi femenino, aspectos representados también en esta estatua.

La composición se realiza en plano-relieve, encontrándose llena de dinamismo y difuminación. El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes y aspectos que reflejan el interés por la representación de las esculturas.

EL MITO . 

Apolo, dios de los arqueros, de la música, de la profecía y de la luz, era muy poderoso, pero no siempre afortunado en sus amores. Su primer amor fue la ninfa Dafne, pero ella lo rechazó. La violenta pasión de Apolo y la resistencia de Dafne se debía a que Eros (Cupido), irritado por las bromas de Apolo, le disparó a él una flecha de oro para que se enamorase de ella, mientras que a Dafne, le dirigió una de plomo para que le rechazase. Apolo persiguió a Dafne con todo tipo de súplicas amorosas, todas las cuales rechaza hasta llegar a orillas del río Peneo. Aquí justo en el momento en que va a darle alcance, ella pide ayuda a su padre, el dios del río, el cual la transforma en un laurel.

Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: «Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las gentes en señal de victoria» . 

EL RAPTO DE PROSERPINA .

El rapto de Proserpina es un escultura realizada por Gian Lorenzo Bernini entre los años 1621 y 1622.
Fue encargada por Scipione Borghese .
Representa la tensión y la violencia .
Es muy importante la capacidad de Bernini para convertit el frío mármol en pura carnosidad . Las manos de Plutón se hunden en la carne de Proserpina , creando efectos de gran sensualidad y erotismo . Esta escultura representa un asunto proceden de la mitologóa . Representa a Proserpina siendo raptada por Plutón , dios de los infiernos , A partir de este mito trata el tema de Proserpina siendo raptada por Plutón , dios de los infiernos . A partir de este mito trata el tema de la violencia siiguiendo los modelos de la escultura helenística . El poderoso cuerpo del dios , el de un varón madura , se encamina hacia delante y el juvenil y femenino cuerpo de Proserpina no pisa el suelo pero tiene hacia atrás sus brazos , pidiendo ayuda con uno y rechazando la cabeza del dios con el otro .
El mito es un vehículo excelente para la lección moral ; oponiendo la brutalidad de Plutón a la belleza de Proserpina , se confronta el cico con la virtud . Se expresan los diferente comportamientos psicológicos de los personaje , representado los estados del alma , que resultan ser uno de los elementos más característicos de la escultura barroca .

El rapto de Proserpina .

Un detalle del lado derecho de la escultura que muestra como los dedos de Plutón apretan el cuerpo de Proserpina.

La leyenda .

En Sicilia, cerca del Etna, estaba el lago de Pergusa, de gran extensión y profundas aguas. Los cisnes llenaban el lago con su bullicio. A su alrededor, frondosos árboles, proporcionaban una fresca y agradable sombra. Allí la primavera era eterna pues miles de flores cubrían siempre la tierra. En este lugar estaba Prosérpina cuando la vió Plutón, dios de los infiernos subterráneos y se enamoró de ella. No dudó en raptarla y se la llevó a su tenebroso reino.
Prosérpina, llena de espanto, llamó a su madre pero de nada sirvió.
Ceres, que había escuchado los desgarradores gritos de su hija, se lanzó en su busca. Recorrió todos los lugares de la superficie de la tierra y del mar pero no la halló.
Fatigada, se sentó sobre una roca y rompió en llanto. Tan grandes eran sus sollozos que se la podía escuchar desde cualquier lugar del mundo. En su desesperación maldijo a la Tierra que hasta entonces había cuidado con tanto interés. Desde aquel día Ceres se despreocupó de sus cuidados y la tierra se vio condenada a la esterilidad.
Aretusa, una ninfa que fue testigo del rapto se apiadó de Ceres y le dijo que no buscase a su hija en la Tierra, pues Plutón se la había llevado a sus dominios y conveido en su esposa.
Sorprendida por estas palabras, Ceres corrió hasta el Olimpo y cuando llegó junto a Júpiter, le imploró, bañada en lágrimas que hiciera todo lo posible por devolverle a su hija.
Júpiter que no quería indisponerse con Plutón ni tampoco dejar de ayudar a Ceres concedió lo siguiente: durante seis meses Prosérpina viviría con su madre en la tierra y los otros seis meses con su marido en los infiernos.
Tal decisión confortó a Ceres que, volviendo a sonreir, produjo el renacer de la naturaleza y volvió la fertilidad a la tierra.
Desde entonces, cuando Prosérpina vive con su marido en el mundo subterráneo la tierra se cubre de hielo, dolor y tristeza; los árboles pierden sus hojas y se marchitan las flores; las simientes enterradas en la profunda tierra esperan el momento en que Prosérpina vuelva con su madre, y con ella la alegría y los frutos que alimentan a los seres que pueblan la tierra.

 



EL DAVID .

El David es una estatua realizada por Gian Lorenzo Bernini entre 1623 y 1624. Tiene tamaño real y está ejecutada con mármol. Pasó a formar parte de la colección de su principal mecenas, el Cardenal Scipione Borghese, y actualmente se expone en la Galleria Borghese.

 

Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda.
En comparación con otras versiones pasadas del tema, como la famosa estatua el David de Miguel Ángel, se muestran cualidades paradigmáticas de la escultura del Barroco. Sobre la placidez clásica y renacentista, Bernini introduce emoción y dinamismo.
Al contrario que en obras más tempranas del artista, esta obra no presenta el mismo énfasis vertical. El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se dispone a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado. La figura está en tensión, el movimiento y la potencia están implícitos. La cara muestra concentración, con el ceño fruncido e incluso mordiéndose el labio inferior. Este David no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzándose para lograr sus metas. Tras la figura, yacen varias armas descartadas, recordándonos que esta no es una batalla ganada a través de un armamento superior, sino de un esfuerzo físico. A sus pies, un arpa hermosamente tallada, que indica que David se convertirá en un poeta.
Tampoco es típico de las esculturas anteriores de Bernini el representar un hombre, en otras obras como Apolo y Dafne elige modelos mucho más jóvenes y delicados.
La obra de Bernini irradia un espíritu de batalla contrarreformista, y tal vez también la lucha de un joven artista por hacerse un hueco no sólo entre los escultores de su época, sino tratando de culminar la historia de la escultura renacentista.

LA FUENTE DE LOS CUATRO RÍOS .

La escultura de la Fuente de los Cuatro Ríos, se encuentra en la Piazza Navona de Roma (Italia) y fue ideada y tallada por el escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini en 1651 bajo el papado de Inocencio X, en plena época barroca, durante el periodo más prolífico del genial artista y cerca de la que en otro tiempo fue la Chiesa de San Giacomo de gli Spagnoli
La fuente se compone de una base formada de una gran piscina elíptica, coronada en su centro de una gran mole de mármol, sobre la cual se eleva un obelisco egipcio de época romana, el obelisco de Domiciano.
Las estatuas que componen la fuente, tienen unas dimensiones mayores que en la realidad y son alegorías de los cuatro ríos principales de La Tierra (Nilo, Ganges, Danubio , Río de la Plata), cada uno de ellos en uno de los continentes conocidos en la época. En la fuente cada uno de estos ríos está representado por un gigante de mármol.
Los árboles y las plantas que emergen del agua y que se encuentran entre las rocas, también están en una escala mayor que en la realidad. Los animales y vegetales, generados de una naturaleza buena y útil, pertenecen a especies grandes y potentes (como el león, caballo , cocodrilo, serpiente, dragón, etc.). El espectador, girando en torno a la fuente, descubre nuevas formas que antes estaban escondidas o cubiertas por la masa rocosa. Con esta obra, Bernini quiere suscitar admiración en quien la mira, creando un pequeño universo en movimiento a imitación del espacio de la realidad natural.

 Los animales de la fuente .

La fuente presenta figuras de siete animales, además de una pequeña paloma y el emblema de los Pamphili. Para poder observarlas basta con dar una vuelta alrededor de la fuente. Las figuras son: un caballo, una serpiente de tierra (en la parte más alta, cerca del obelisco), una serpiente de mar, un delfín (que funciona también como desagüe), un cocodrilo, un león y un dragón. Notar también la vegetación esculpida que parece real .

El león. 


 El cocodrilo.


  La serpiente de mar.


El caballo.


La serpiente de Tierra.


El delfín.


El dragón.


Los animales del emblema.