jueves, 9 de junio de 2011

EL PALACIO DE VERSALLES .


El Palacio de Versalles es un edificio que desempeñó las funciones de una residencia real en siglos pasados. El palacio está ubicado en el municipio de Versalles, en Île-de-France. Su construcción fue ordenada por Luis XIV.

Versalles se constituye cuando el padre de Luis XIII en 1623 manda construir en la finca dedicada a la caza un pequeño castillo llamándolo “Castillo del Hombre Gentil”, en ladrillo, piedra y pizarra. Al llegar al trono Luis XIII le agrada y lo manda reconstruir rápidamente a su “ingeniero y arquitecto” Philibert Le Roy. Este primer castillo de Versalles corresponde a los edificios que rodean al tribunal de Mármol.

Luis XIV dejó París y decidió construir Versalles como una pequeña ciudad alejada de los problemas. Tendría varias etapas constructivas, marcadas por las amantes de Luis XIV.
Primera etapa (1661-1668): Sería un palacete de caza al que se añadieron dos alas laterales que, al cerrarse, conformaron la plaza de armas. Son fachadas de ladrillo y unifica la cubierta usando también la pizarra y las mansarda.
Segunda etapa (1668-1678): Luis XIV pretende trasladar definitivamente la corte a Versalles. Añaden las dos alas laterales para dar prioridad visual al jardín, realizado por André le Notre. La fachada que da al jardín está construida siguiendo el modelo italiano. Un primer piso de sillares almohadillados. Un piso noble de doble altura con crujías retranqueadas, jugando con entrantes y salientes y alternando columnas y pilastras. Por último, un tercer piso que sería el ático, rematado por una serie de figuras escultóricas (trofeos y jarrones) que casi no dejan ver la caída de la cubierta, la cual no es muy inclinada. Llegaron a vivir en él hasta 20.000 personas.
Tercera y última etapa (1678-1692): En esta ampliación, realizada por Mansart, se construyó la capilla real. Dicha capilla, sería posteriormente copiada en el Palacio Real de Madrid , España. Situada en el Ala Norte del Palacio, fue construida en dos alturas, estando situada en la altura superior la Tribuna Real, desde donde el Rey y su familia atendían a la Misa.

El jardín de Versalles es clasicista, ordenado, racionalizado. Con el paisajismo se obliga a la circulación. Crea una organización que relaciona todas las esculturas y fuentes y ensalza la monarquía. Las esculturas se señalan unas a otras. Progresiva civilización del jardín: muy ordenado, podado y cuidado en la zona próxima al palacio, y después se va asilvestrando, es decir que se hace más silvestre a medida que nos alejamos del palacio.Versalles se constituye cuando el padre de Luis XIII en 1623 manda construir en la finca dedicada a la caza un pequeño castillo llamándolo “Castillo del Hombre Gentil”, en ladrillo, piedra y pizarra. Al llegar al trono Luis XIII le agrada y lo manda reconstruir rápidamente a su “ingeniero y arquitecto” Philibert Le Roy. Este primer castillo de Versalles corresponde a los edificios que rodean al tribunal de Mármol.

LAS MONARQUIAS .

Cada una de ellas se identifica con una etapa historica: la feudal con la baja edad media, la autoritaria con los siglos XV y XVI, y la absoluta con los siglos XVII y XVIII (aunque en este ultimo siglo se la conce más como "despotismo ilustrado").

Diferencia entre monarquia feudal y autoritaria: en la monarquia feudal el rey apenas era mas que una figura simbolica, el poder real lo estantaban los señores feudales sobre cada uno de sus territorios, de hecho el rey ni siquiera tenia ejercito, tenia que pedirselo a los nobles, dependia totalmente de ellos...la monarquia autoritaria solo se da en cuatro paises (inglaterra, francia, españa y portugal) y se caracteriza por todo lo contario de la feudal: ahora el rey impone su poder y su voluntad sobre los señores feudales por medio de instituciones como el ejercito, los tribunales, la burocracia...ademas, en lugar de la fragmentacion propia del feudalismo se tiende a la unificacion de territorios con caracteristicas similares y se intenta lograr la uniformidad (misma religion, lengua, leyes)...por primera vez en la historia, los reyes ostentan poder real sobre todo su territorio

Diferencia entre monarquia autoritaria y absoluta: la monarquia absoluta va todavía más allá que la autoritaria...ahora el poder del rey es total, la nobleza pierde toda su importancia, todo el poder del estado está concentrado en una sola persona el rey, ya no solo en teoría como ocurría con la monarquia autoritaria sino tambien en la practica. Otra novedad es que el rey legitima este poder absoluto en que ha sido elegido por dios para gobernar y que él solo debe responder ante dios y no ante el pueblo...el ejemplo por excelencia de monarquia absoluta es la francia de luis XIV, el rey sol...espero haber aclarado tus dudas

LUIS XIV DE FRANCIA .

Luis XIV de Francia nació el 5 de septiembre de 1638, fue rey de Navarra y de Francia hasta su muerte ( 76 años ).También fue co-príncipe de Andorra desde 1643 hasta 1715 y conde rival de Barcelona durante la sublevación catalana desde 1643 hasta 1652, como Luis II.Luis XIV fue el primogénito y sucesor de Luis XIII y de Ana de Austria.Incrementó el poder y la influencia francesa en Europa, combatiendo en tres grandes guerras: la de Holanda, la de los Nueve Años y la de la Sucesión Española.Bajo su mandato, Francia no sólo consiguió el poder político y militar, sino también el dominio cultural .Estos logros culturales contribuyeron al prestigio deFrancia: su pueblo, su lengua y su rey. Luis XIV, uno de los más destacados reyes de la historia francesa, consiguió crear un régimen absolutista y centralizado, hasta el punto que su reinado es considerado el prototipo de la monarquía absoluta en Europa. 



La paz de Westfalia se refiere a los dos tratados de paz de Osnabruck y Munster, firmados el 15 de mayo y 24 de octubre de 1648, respectivamente, este último en la Sala de la Paz del Ayuntamiento de Münster, en la región histórica de Westfalia, por los cuales finalizó la Guerra de los Treinta Años en Alemania y la Guerra de los ochenta años entre España y Holanda.En estos tratados participaron el emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, los Reinos de España, Francia y Suecia, las Provincias Unidas y sus respectivos aliados entre los príncipes del Sacro Imperio Romano.
Fue, en resumen, el tratado que puso fin a la Guerra de los Treinta Años, iniciada en 1618 con la Defenestración de Praga.
Los representantes diplomáticos del Sacro Imperio Romano-Germánico, España, Francia, Países Bajos, Suecia y una multitud de príncipes alemanes se reunieron en un acontecimiento diplomático sin precedentes, después de un conflicto de dimensiones extraordinarias que había arrasado por completo a Alemania, y que había supuesto la ruina de las pretensiones de la casa de Austria, tanto la rama española como la imperial.
La principal consecuencia de la paz de Westfalia fue el debilitamiento de las posiciones de Austria y España en centroeuropa. Paralelamente, salía muy fortalecida Francia .
 Personaje muy beneficiado en Westfalia fue el príncipe elector de Brandemburgo .

LA GUERRA DE LOS 30 AÑOS .

La Guerra de los Treinta Años fue una guerra librada en la Europa Central entre los años 1618 y 1648, en la que intervino la mayoría de las grandes potencias europeas de la época.
La Guerra de los Treinta Años llegó a su final con la Paz de Westfalia, que supuso el punto culminante de la rivalidad entre Francia y los territorios de los Habsburgo por la hegemonía en Europa, que conduciría en años posteriores a guerras nuevas entre ambas potencias.
El mayor impacto de esta guerra, en la que se usaron mercenarios de forma generalizada, fue la total devastación de territorios enteros que fueron esquilmados por los ejércitos necesitados de suministros.Los continuos episodios de hambrunas y enfermedades diezmaron la población civil de los estados alemanes, y en menor medida, los de los Holanda e Italia, además de llevar a la quiebra a muchas de las potencias implicadas.Aunque la guerra duró 30 años, los conflictos que la generaron siguieron sin resolverse durante mucho tiempo.

La larga serie de conflictos que forman la guerra pueden dividirse en cuatro etapas diferenciadas:
La revuelta de Bohemia.
La intervención danesa.
La intervención sueca.
La intervención francesa.



El resultado de esta guerra fue la finalización de la supremacía de la Casa de Habsburgo, el inicio del dominio de la Casa de los Borbones, el inicio del imperio sueco y la descentralización del Sacro Imperio Romano Germánico

LAS HILANDERAS DE VELAZQUEZ O LA FÁBULA DE ARACNE .

La fábula de Aracne, popularmente conocido como Las hilanderas, es un lienzo de Diego Velázquez, conservado en el Museo del Prado. Lo pintó hacia 1657 . Esta obra es de los máximos exponentes de la pintura barroca española y está considerada como unos de los grandes ejemplos de la maestría de Velázquez. Temáticamente es una de sus obras más enigmáticas, pues aún no se conoce el verdadero propósito de esta obra.

Durante mucho tiempo se consideró a estas Hilanderas como un cuadro de género en el que se mostraba una jornada de trabajo en el taller de la fábrica de tapices. En primer plano se ve una sala con cinco mujeres (hilanderas) que preparan las lanas. Al fondo, detrás de ellas, y en una estancia que aparece más elevada, aparecen otras tres mujeres ricamente vestidas, que parecen contemplar un tapiz que representa una escena mitológica. Durante mucho tiempo se consideró éste su único asunto. Sin embargo, a causa de la propia entidad del cuadro y por la «ambigüedad» de significados presente en algunos de los lienzos más significativos de Velázquez, debemos resistirnos a interpretarlo como una sencilla escena cotidiana.
Hoy se admite que el cuadro trata un tema mitológico: La Fábula de Atenea y Aracne, en una escena del mito de Aracne que se describe en el libro sexto de Las Metamorfosis de Ovidio. Una joven lidia, Aracne, afirmó que podría competir con la Diosa Atenea, inventora de la rueca, tejiendo el tapiz más hermoso. La escena del primer término retrataría a la joven a la derecha, vuelta de espaldas, trabajando afanosamente en su tapiz. A la izquierda, la Diosa Atenea finge ser una anciana, con falsas canas a sus sienes. Sabemos que se trata de la Diosa porque, a pesar de su aspecto envejecido, Velázquez muestra su pierna, de tersura adolescente.


En el fondo, se representa el desenlace de la fábula. El tapiz confeccionado por Aracne está colgado de la pared: su tema constituye una evidente ofensa contra Palas Atenea, ya que Aracne ha representado varios de los engaños que utilizaba su padre, Zeus, para conseguir favores sexuales de mujeres y Diosas. Frente al tapiz, se aprecian dos figuras: son la diosa, ataviada con sus atributos (como el casco) y ante ella la humana rebelde, que viste un atuendo de plegados clásicos. Están colocadas de tal manera que parecen formar parte del tapiz. Otras tres damas contemplan cómo la ofendida diosa, en señal de castigo, va a transformar a la joven Aracne en araña, condenada a tejer eternamente.



LA VENUS DEL ESPEJO .


La Venus del espejo es un cuadro de Velázquez (1599-1660)

Es la única obra conservada de Velázquez en la que aparece una mujer desnuda, aunque sabemos que pintó alguna más.  Quizá por despistar, el pintor coloca el rostro del espejo difuminado para así reflejar el cuerpo desnudo de la dama que el marqués amaba. Existen numerosas referencias en la obra: Rubens, Tiziano, Giorgiones e incluso Miguel Ángel. Pero el sevillano supera a todos ellos y coloca a una mujer de belleza palpable, de carne y hueso, resaltando aun más la carnación gracias al contraste con el paño azul y blanco, o el cortinaje rojo que da gran carga erótica al asunto. Posiblemente esto provocó que una sufragista inglesa acuchillara el cuadro en 1914 con siete puñaladas que apenas sí se notan. Da la sensación de que el artista ha sorprendido a Venus mientras Cupido, resignado, sostiene el espejo en el que se refleja el rostro de la belleza, aunque lo que deberíamos ver sería el cuerpo de la diosa. En cuanto a la técnica, cabe destacar cómo el pintor utiliza una pincelada suelta, que produce la sensación de que entre las figuras circula aire, el famoso aire velazqueño.


LAS MENINAS .

Las Meninas es la obra más famosa de Velázquez. La estancia en la que se desarrolla la escena sería el llamado Cuarto del Príncipe del Alcázar de Madrid, estancia que tenía una escalera al fondo y que se iluminaba por siete ventanas, aunque Velázquez sólo pinta cinco de ellas al acortar la sala. El Cuarto del Príncipe estaba decorado con pinturas mitológicas .
La creación se denomina “Las Meninas”, por un vocablo de origen portugués, usado para mencionar a los acompañantes de los niños de la realeza.
La escena transcurre en Madrid, el año 1656, dentro de un palacio, en una sala decorada con diversos cuadros. El personaje central es la Infanta Margarita, a su lado se encuentran, Isabel Velasco y Agustina Sarmiento: las meninas. Junto a Agustina están los enanos, María Bárbola y Nicolás Pertusato, en actitud de jugar con el perro que dormita a sus pies. Detrás de ellos, y en tono más opaco, aparecen Marcela Ulloa y un personaje que no ha podido ser identificado. A la izquierda se encuentra el mismo pintor, Diego Velásquez, con sus instrumentos de trabajo y delante de él un lienzo de gran tamaño. En el fondo del salón que se retrata, junto a una puerta entreabierta, se encuentra don José Nieto de Velásquez, mesonero de la reina, que es el centro perspectivo de la pintura. En el muro del fondo hay un espejo donde se reflejan las figuras de los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, los que en el fondo serían el cuadro.Técnicamente el cuadro parece insuperable, el número de perspectivas que se retratan parecen infinitas. Al observarlo, parece ser que hasta el aire fue retratado. La combinación de la perspectiva aérea y lineal es encantadora, ha fascinado a todos .
Actualmente esta importante obra del siglo XVII se encuentra en el Museo Prado de Madrid.


LA BATALLA DE BREDA .

La rendición de Breda o Las lanzas es un óleo sobre lienzo, pintado entre 1634 y 1635 por Diego Velázquez y que se conserva en el Museo del Prado de Madrid desde 1819.
Velázquez desarrolla el tema sin vanagloria ni sangre. Los dos protagonistas están en el centro de la escena y más parecen dialogar como amigos que como enemigos. Justino de Nassau aparece con las llaves de Breda en la mano y hace ademán de arrodillarse, lo cual es impedido por su contrincante que pone una mano sobre su hombro y le impide humillarse.
El centro de la composición es la llave y los dos generales. Las tropas españolas aparecen a la derecha, tras el caballo, representadas como hombres experimentados, con sus picas ascendentes que consideradas lanzas por error dan título al cuadro. A la izquierda se sitúan los holandeses, hombres jóvenes e inexpertos, cuyo grupo cierra el otro caballo. Todas las figuras parecen auténticos retratos aunque no se ha podido identificar a ninguno de ellos, a excepción del posible autorretrato de Velázquez, que sería el último hombre de la derecha; al fondo aparecen las humaredas de la batalla y una vista en perspectiva de la zona de Breda.
Velázquez representa con realismo al general Spínola, al que conocía personalmente, pues habían viajado juntos a Italia en 1629. Un realismo semejante, y caracterización individual se aprecia en los rostros de los soldados, que están tratados como retratos .

CONDE DUQUE DE OLVIARES .

El retrato ecuestre del Conde-Duque de Olivares es una pintura del español Diego Velázquez, realizada hacia el año 1638. Se encuentra en el Museo del Prado de Madrid desde su inauguración en 1819.
El objeto de la obra fue retratar con poderío al valido del rey Felipe IV Gaspar de Guzmán, un influyente noble y político español, conde de Olivares y duque de Sanlúcar la Mayor, conocido como el Conde-Duque de Olivares. Dentro del estilo de Velázquez, este cuadro se considera una excepción, ya que su diseño y colorido resultan más movidos y pomposos de lo habitual en los retratos del artista, más sobrios.

Olivares es retratado a lomos de un caballo, un honor generalmente reservado a los monarcas y que refleja el poder que alcanzó como valido .
 La enorme figura de Olivares se nos presenta sobre un precioso caballo bayo, en una postura totalmente escorzada - muy empleada en el Barroco al marcarse una clara diagonal en profundidad - colocado de medio perfil. Va tocado con un sombrero de picos que refuerza su carácter de hombre de mando, frío y decidido. Como uno de los mejores retratistas de la historia que es, Velázquez se preocupa por mostrar al espectador la personalidad de su modelo, su alma. Nunca podremos mantenernos al margen ante uno de los retratados por el sevillano; le tendremos odio o aprecio pero no nos dejará indiferentes. El absoluto control del Estado que ostentaba el valido le lleva a retratarse a caballo, privilegio exclusivo de los monarcas. El estilo de Velázquez es bastante suelto, a base de rápidas manchas de color y de luz, sus grandes preocupaciones tras conocer la obra de Tiziano.

miércoles, 8 de junio de 2011

LA FRAGUA DE VULCANO

Pintado por Velázquez hacia 1630 en su primer viaje a Italia, fue posteriormente comprado por Felipe IV en 1634. El tema elegido está inspirado en las Metamorfosis de Ovidio: Apolo se acerca a la fragua de Vulcano para contarle la infidelidad de su esposa, Venus, con Marte. Al escuchar la noticia toda la fragua se queda petrificada: esta sensación la ha conseguido perfectamente el artista. Velázquez se ha puesto en contacto con el arte italiano, como se observa en las anatomías de los ayudantes de Vulcano, situados en diferentes posturas para demostrar el dominio de las figuras. También se advierte el interés mostrado por conseguir el efecto espacial, recurriendo a disponer figuras en diferentes planos, ocupando todo el espacio, relacionándose a través de líneas en zig-zag. La luz también ha experimentado un sensible cambio al modelar con ella las formas de los cuerpos que revelan la estructura de los huesos y músculos bajo la piel. Se advierte que estamos, sin duda, ante una nueva fase del arte velazqueño.


LA BACANAL O LOS BORRACHOS .

El triunfo de Baco es una pintura del español Velázquez, conservada en el Museo del Prado desde 1819.El cuadro lo pintó algunos años después de su llegada a Madrid procedente de Sevilla, poco antes de su primer viaje a Italia.Posiblemente sea ésta una de las obras de Velázquez más famosas y reproducidas; fue pintada para Felipe IV entre 1628-1629, siendo pagada el 22 de julio de 1629. El artista quiso representar a Baco como el dios que obsequia al hombre con el vino, que lo libera, al menos de forma temporal, de sus problemas cotidianos, por lo que Baco se convierte en uno de los borrachos que participan en la fiesta, diferenciándose de los demás por su piel más clara. El asunto ha sido tratado como una escena realista y popular, del mismo modo que si estuviésemos ante una merienda de amigos en el campo; por esto el título original ha sido sustituido popularmente por "Los Borrachos".



VIEJA FRIENDO HUEVOS .

La Vieja friendo huevos es un cuadro de juventud de Velázquez, pintado en Sevilla en 1618, sólo un año después de su examen como pintor. Se encuentra en  Edimburgo desde 1955 .
Una de las mejores obras de la etapa sevillana de Veláquez. 
El asunto tratado por el maestro supone una absoluta novedad, ya que hasta ahora nadie se había atrevido a representar en la pintura española escenas tan aparentemente triviales como ésta. En primer plano vemos a una anciana cocinando unos huevos en un hornillo de barro cocido, junto a un muchacho que porta un melón de invierno y una frasca de vino. Ambas figuras se recortan sobre un fondo neutro, empleado para destacar aun más los contrastes entre la luz y la sombra, una de las características que le sitúan en la órbita del Naturalismo tenebrista . En la zona de la derecha contemplamos uno de los mejores bodegones del arte español, formado por varios elementos metálicos, vasijas de cerámica y una cebolla colorada.El realismo de los personajes es digno de mención .
En él podemos ver una especie de inventario de utensilios de cocina, retratando en cada uno de ellos hasta el más mínimo detalle.
Muy bien dibujado, es una composición de gran equilibrio, , empleando una gama de tonos cálidos: los marrones de la sombra, el amarillo del melón, el rojo anaranjado de la cazuela, el ocre de la mesa, todos en una armonía graduada por la luz.


VELAZQUEZ .

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nació en Sevilla hacia el 5 de Junio de 1599 y murió en Madrid el 6 de agosto de 1660 , conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.

Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista, por influencia de Caravaggio y sus seguidores. A los 24 años se trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores de la corte. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo consistía en pintar retratos del rey y de su familia, así como otros cuadros destinados a decorar las mansiones reales.


SAN HUGO EN EL REFECTORIO DE LOS CARTUJOS .

San Hugo en el refectorio de los Cartujos (Sevilla, Museo de Bellas Artes), es un cuadro de Francisco de Zurbarán realizado en 1655 .
La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno, fundador de los cartujos, y a los seis primeros monjes de la Orden, quienes comían gracias a la generosidad de San Hugo, obispo de Grenoble. Un domingo les envió carne, alimento al que no estaban acostumbrados, lo que provocó una discusión sobre la conveniencia de practicar la abstinencia. Mientras discutían quedaron sumidos en un profundo sueño que duró toda la Cuaresma. El miércoles Santo, San Hugo, que había estado ausente, fue a verlos y los sorprendió despertándose, comprobando que no tenían noción del tiempo transcurrido. Entonces miró a los platos y vio que la carne se convertía en ceniza, interpretándoo como aprobación divina de la abstinencia.




CRISTO CRUCIFICADO .

Zurbarán, uno de los pintores a quien más se ha calificado de místico, se lanza en este Crucificado a un estudio anatómico del cuerpo masculino lleno de sensualidad y perfección. El pintor extremeño recurre a todos los efectos del caravaggismo, como es el fondo oscuro sobre el que se aplica un tremendo foco de luz lateral; esto hace relucir fantasmagóricamente la piel blanca del muerto, limpia, sin sangre ni rasguños, incluso la herida del costado se disimula hábilmente quedando oculta por la sombra en el costado derecho. El efecto es el de un cuerpo en plena madurez, una plenitud espléndida que demuestra la perfección de Cristo, incluso más allá de su muerte . Al pie de la cruz, como suele ser habitual en nuestro pintor, un papelito finge estar clavado en la propia cruz, sosteniendo .


ZURBARÁN .

Francisco de Zurbarán nació en Fuente de Cantos el 7 de Noviembre de 1598 y murió en Madrid el 27 de agosto de 1664 . fue un pintor del Siglo de oro español.Conocido por sus cuadros religiosos y escenas de la vida monástica en la época del barroco y la contrarreforma. Su estilo, adscrito a la corriente tenebrista por el uso que hace de los contrastes de luz y sombras, se caracteriza básicamente por la sencillez compositiva, el realismo, el rigor en la concepción, exquisitez y ternura en los detalles, formas amplias y plenitud en los volúmenes, monumentalidad en las figuras y apasionamiento en los rostros, tremendamente realistas.

Contemporáneo y amigo de Velázquez, Zurbarán destacó en la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo. Fue un artista representativo de la Contrarreforma. Influido en sus comienzos por Caravaggio .

Aunque Zurbarán pinta historias e imágenes religiosas aisladas, sus obras principales son retablos y series de lienzos para conventos.

EL CAMPO DEL MORO

El Campo del Moro es un jardín situado en la ciudad española de Madrid. Declarado de interés histórico-artístico en 1931 , ocupa una superfice de unas veinte hectáreas, que se extienden, de este a oeste .

LOS JARDINES DE SABATINI .




Los Jardines de Sabatini se encuentran situados frente a la fachada norte del Palacio Real de Madrid (España) .

Estos jardines fueron construidos en los años 30 del siglo XX tras la proclamación de la Segunda República, en el lugar que ocupaban las caballerizas construidas por el arquitecto italiano Francesco Sabtini junto al Palacio Real.

PALACIO REAL .

El Palacio Real de Madrid es la residencia oficial del rey de España , lo emplea en las ceremonias de Estado, aunque no habita en él. Es el mayor palacio de Europa Occidental en cuanto a extensión, con 135.000 m² y más de 3.418 habitaciones.El origen del palacio se remonta al siglo IX en el que el reino musulmán de Toledo construyó una edificación defensiva que después usaron los reyes de Castilla, sobre la que en el Siglo XVI, se construyó el Antiguo Alcázar. Alberga un valioso patrimonio histórico-artístico,y también colecciones muy relevantes de otras disciplinas artísticas como pintura, escultura y tapicería .
Otra de las denominaciones empleadas para referirse al edificio es la de «Palacio de Oriente». Este nombre se origina por la plaza a la que recae una de las balconadas del palacio, la plaza de Oriente . 



LA PLAZA MAYOR DE SALAMANCA .

Tal vez sea ésta la plaza más hermosa de España. Construida entre 1729 y 1755, como punto de encuentro ciudadano e incluso ruedo taurino. Modelo de plaza monumental porticada, de estilo barroco, del XVIII, con la característica decoración española de placas recortadas.
Está en enmarcada por cuatro fachadas de tres pisos, todas ellas de diferente longitud. En medio de una de ellas se halla elAyuntamiento, sobre cinco arcos mayores, y coronado con una espadaña en la que reinan tres campanas. 

LA PLAZA MAYOR .



La Plaza Mayor de Madrid es una joya del urbanismo madrileño diseñada por el arquitecto Gómez de Mora.Ya Felipe II pidió a Juan de Herrera que diseñara una plaza en el lugar, pero fue Gómez de Mora quien, en tiempos de Felipe III llevó adelante el proyecto, retocado tras diversos incendios.
La magnífica plaza porticada en uno de los lugares más emblemáticos de Madrid. Los edificios tienen en sus bajos numerosas tiendas y establecimientos de hostelería .

En el centro se halla una estatua ecuestre de Felipe III, obra de Juan de Bolonia en Florencia , finalizada en 1616 por su discípulo Pietro Tacca.

LA INCREDULIDAD DE SANTO TOMÁS .

La incredulidad de Santo Tomas es un cuadro pintado por Caravaggio en 1602. El cuadro muestra a Cristo resucitado ante sus discípulos, pero Tomás se niega a creer, por lo que Cristo mete uno de sus dedos en la llaga del costado. Este hecho, que podría parecer exageradamente prosaico, es la mayor prueba física del reconocimiento de Cristo, la definitiva demostración de su regreso desde el reino de los muertos. Caravaggio ha ejecutado una composición que converge completamente en el punto de la llaga con el dedo metido, de tal modo que la atención de los personajes del lienzo y la de los espectadores contemporáneos se ve irremisiblemente atraída por esta "prueba" física.  El naturalismo típico de Caravaggio se hace presente aquí, al mostrar al santo como un incrédulo. Las luces, además, contribuyen a enfocar más la figura y a dotarla de realismo.
 

CONVERSIÓN DE SAN PABLO .



La conversión de San Pablo es un cuadro del pintor manierista Cravaggio . De nuevo, usa el mismo lenguaje que en La  Crucifixión de San Pablo para dar a conocer el mensaje bíblico.

Caravaggio emplea el mismo lenguaje aparentemente vulgar de la Crucifixión de San Pedro para dar cuenta de uno de los más poéticos milagros que nos cuenta el propio San Pablo.El joven aún llamado Saulo , era un soldado arrogante perseguidor de los cristianos. Un mediodía, de camino a otra ciudad, fue derribado del caballo por una poderosa luz, al tiempo que la voz de Dios le preguntaba "Saulo, ¿por qué me persigues?". Saulo quedó ciego varios días y milagrosamente recuperó la vista con los cuidados de la comunidad cristiana. Se convirtió y adoptó el nombre de Pablo.
Este cuadro fue fuertemente criticado porque la escena parece tener lugar en un establo y para rematarlo la escena es de noche .

martes, 7 de junio de 2011

CENA DE EMAUS .

Fue una de sus obras con más prestigio, la cual fue pintada en 1601, y, si bien el pintor rechaza desde el comienzo la característica belleza ideal del Renacimiento, basada en normas estrictas, ha sido severo al eligir el camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de preparación previa a la obra.
 Es un tema evangélico muy tratado en el arte.
 Destacamos la técnica del claroscuro que está cuidado al detalle, realismo en la representación de los personajes y la ausencia de idealismo .
La escena de este óleo narra los primeros pasos de Cristo resucitado. Habiendo encontrado éste a dos de sus discípulos en el camino a Emaús, los hombres no reconocen a su maestro hasta el momento de la cena en una posada, pues al bendecir Jesús el pan y el vino reconocen el gesto de la Eucaristía , a su Señor. Caravaggio ha utilizado una composición muy frecuente en la pintura veneciana, en especial de Tiziano, con Cristo en el centro, acompañado de un sirviente. Sin embargo, ha llenado la escena de sutiles indicativos de la divinidad y el misterio desvelado de la resurrección, que algunos, criticaron por ser inapropiados. Uno de estos elementos fue el cesto de frutas que adorna la mesa: copiado literalmente del Cesto de Frutas , se censuró el que contuviera frutos de otoño, cuando la resurrección había tenido lugar en primavera. Sin embargo, como apreciamos en el comentario del citado Cesto, cada fruta es una alusión simbólica: la manzana al pecado original, la granada a la pasión, etc. Por otro lado, el resto de los manjares resume los elementos de la Eucaristía: el pan, el vino y la jarra de agua. Los gestos y las posiciones de los personajes también nos indican el verdadero significado de la escena: Cristo bendice el pan con el mismo gesto del Dios Creador del Juicio Final de Miguel Ángel. Pedro extiende sus brazos en el mismo gesto de un crucificado, como lo fue Cristo y como lo habría de ser el apóstol más tarde. Sólo los discípulos pueden reconocer el gesto de Cristo, por lo que el criado, ignorante de lo que está presenciando, no se ha descubierto la cabeza como haría si reconociera al Mesías. Un último detalle que revela la divinidad de Cristo oculta a los ojos humanos es la sombra que el criado proyecta sobre el fondo pero no sobre Jesús, quien parece iluminado por una luz interna.

CARAVAGGIO .

Michelangelo Merisi da Caravaggio nació en el año 1571 en Italia.

Con el tiempo se convertiría en uno de los exponentes más destacados de la Escuela Naturalistasurgida en Italia como oposición a la Corriente Manierista triunfante durante el siglo XVI.
Comenzó a estudiar en Milán, bajo la tutela de un maestro manierista de segunda fila llamadoSimone Peterzano .
Como persona, se lo ha definido como revolucionario; tanto por su vida turbulenta como por su pintura, en la que se plantea una clara oposición ante el Renacimiento y el Manierismo.
Caravaggio siempre buscó, ante todo, la intensidad efectista a través de altos contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una presencia física de vigor incomparable.

En el año 1606 Caravaggio comete un crimen al matar a un hombre en una reyerta y se ve obligado a huir de Roma, lugar al cual, muy a su pesar, nunca pudo volver.
Por tal motivo los cuatro años siguientes transcurren básicamente entre Nápoles y Sicilia

Finalmente el artista fallece en el año 1610 en una playa solitaria, aquejado de malaria.

Bild-Ottavio Leoni, Caravaggio.jpg

EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA .

Esta es la obra mas conocida del escultor Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) situada en la iglesia de Santa María de la Victoria, en Roma. Fue encargada por la familia Cornaro.

En la obra destacan dos figuras; empezando por la izquierda, nos encontramos con un ángel que sonríe pícaramente después de haber clavado en el corazón de la santa una flecha de amor cristiano. Éste luce una especie de manto con multitud de pliegues, en su mano derecha porta la flecha que acaba de utilizar y también luce dos hermosas alas en su espalda.

A su lado podemos divisar a Santa Teresa en pleno éxtasis; con la boca entreabierta y los ojos cerrados que hacen que el rostro transmita una sensación de mezcla entre dolor y placer. Su cuerpo parece caerse pues sus brazos y piernas están flácidos, ella luce un exagerado manto lleno de pliegues que dan la sensación de hacerlo muy pesado, y bajo éste encontramos un cúmulo de vaporosas nubes que flotan bajo ella.

Sobre las dos figuras caen diversos rayos realizados con bronce que nos dan la sensación de ser rayos de luz que proceden del sol que alumbra a los personajes.
En la obra podemos apreciar el rostro exagerado de la santa como es típico en la escultura italiana barroca. La multitud de pliegues que forman sus ropajes hacen que se aprecien contrastes de claroscuro. También consta de diferentes puntos de vista y como bien se puede apreciar las figuras están en plena acción transmitiéndonos movimiento. Están realizadas en mármol blanco.

lunes, 6 de junio de 2011

APOLO Y DAFNE .

Apolo y Dafne es una escultura realizada por el italiano Gian Lorenzo Bernini entre los años 1622 y 1625 . Pertenece al estilo barroco . Se trata de una estatua a tamaño real de mármol , expuesta en la Galería Borghese en Roma.

Bernini captura la transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios. Al igual que sucede en otra de sus obras, el Rapto de Proserpina , la obra nos pide que interactuemos con ella: vista desde la espalda de Apolo, la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el árbol en que se transforma, de modo que girando alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo de la metamorfosis de la ninfa.
La contraposición de los elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la escultura helenística de la que bebe Bernini. También en el periodo helenístico existía esta percepción de Apolo como un muchacho  joven y delgado, con un peinado casi femenino, aspectos representados también en esta estatua.
La composición se realiza en plano-relieve, encontrándose llena de dinamismo y difuminación. El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes y aspectos que reflejan el interés por la representación de las esculturas.

EL MITO . 
Apolo, dios de los arqueros, de la música, de la profecía y de la luz, era muy poderoso, pero no siempre afortunado en sus amores. Su primer amor fue la ninfa Dafne, pero ella lo rechazó. La violenta pasión de Apolo y la resistencia de Dafne se debía a que Eros (Cupido), irritado por las bromas de Apolo, le disparó a él una flecha de oro para que se enamorase de ella, mientras que a Dafne, le dirigió una de plomo para que le rechazase. Apolo persiguió a Dafne con todo tipo de súplicas amorosas, todas las cuales rechaza hasta llegar a orillas del río Peneo. Aquí justo en el momento en que va a darle alcance, ella pide ayuda a su padre, el dios del río, el cual la transforma en un laurel.

Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: «Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las gentes en señal de victoria» . 

domingo, 5 de junio de 2011

EL RAPTO DE PROSERPINA .

El rapto de Proserpina es un escultura realizada por Gian Lorenzo Bernini entre los años 1621 y 1622.
Fue encargada por Scipione Borghese .
Representa la tensión y la violencia .
Es muy importante la capacidad de Bernini para convertit el frío mármol en pura carnosidad . Las manos de Plutón se hunden en la carne de Proserpina , creando efectos de gran sensualidad y erotismo . Esta escultura representa un asunto proceden de la mitologóa . Representa a Proserpina siendo raptada por Plutón , dios de los infiernos , A partir de este mito trata el tema de Proserpina siendo raptada por Plutón , dios de los infiernos . A partir de este mito trata el tema de la violencia siiguiendo los modelos de la escultura helenística . El poderoso cuerpo del dios , el de un varón madura , se encamina hacia delante y el juvenil y femenino cuerpo de Proserpina no pisa el suelo pero tiene hacia atrás sus brazos , pidiendo ayuda con uno y rechazando la cabeza del dios con el otro .
El mito es un vehículo excelente para la lección moral ; oponiendo la brutalidad de Plutón a la belleza de Proserpina , se confronta el cico con la virtud . Se expresan los diferente comportamientos psicológicos de los personaje , representado los estados del alma , que resultan ser uno de los elementos más característicos de la escultura barroca .













El rapto de Proserpina .




Un detalle del lado derecho de la escultura que muestra como los dedos de Plutón apretan el cuerpo de Proserpina.

La leyenda .

En Sicilia, cerca del Etna, estaba el lago de Pergusa, de gran extensión y profundas aguas. Los cisnes llenaban el lago con su bullicio. A su alrededor, frondosos árboles, proporcionaban una fresca y agradable sombra. Allí la primavera era eterna pues miles de flores cubrían siempre la tierra. En este lugar estaba Prosérpina cuando la vió Plutón, dios de los infiernos subterráneos y se enamoró de ella. No dudó en raptarla y se la llevó a su tenebroso reino.
Prosérpina, llena de espanto, llamó a su madre pero de nada sirvió.
Ceres, que había escuchado los desgarradores gritos de su hija, se lanzó en su busca. Recorrió todos los lugares de la superficie de la tierra y del mar pero no la halló.
Fatigada, se sentó sobre una roca y rompió en llanto. Tan grandes eran sus sollozos que se la podía escuchar desde cualquier lugar del mundo. En su desesperación maldijo a la Tierra que hasta entonces había cuidado con tanto interés. Desde aquel día Ceres se despreocupó de sus cuidados y la tierra se vio condenada a la esterilidad.
Aretusa, una ninfa que fue testigo del rapto se apiadó de Ceres y le dijo que no buscase a su hija en la Tierra, pues Plutón se la había llevado a sus dominios y conveido en su esposa.
Sorprendida por estas palabras, Ceres corrió hasta el Olimpo y cuando llegó junto a Júpiter, le imploró, bañada en lágrimas que hiciera todo lo posible por devolverle a su hija.
Júpiter que no quería indisponerse con Plutón ni tampoco dejar de ayudar a Ceres concedió lo siguiente: durante seis meses Prosérpina viviría con su madre en la tierra y los otros seis meses con su marido en los infiernos.
Tal decisión confortó a Ceres que, volviendo a sonreir, produjo el renacer de la naturaleza y volvió la fertilidad a la tierra.
Desde entonces, cuando Prosérpina vive con su marido en el mundo subterráneo la tierra se cubre de hielo, dolor y tristeza; los árboles pierden sus hojas y se marchitan las flores; las simientes enterradas en la profunda tierra esperan el momento en que Prosérpina vuelva con su madre, y con ella la alegría y los frutos que alimentan a los seres que pueblan la tierra.
 



EL DAVID .

El David es una estatua realizada por Gian Lorenzo Bernini entre 1623 y 1624. Tiene tamaño real y está ejecutada con mármol. Pasó a formar parte de la colección de su principal mecenas, el Cardenal Scipione Borghese, y actualmente se expone en la Galleria Borghese.
 
Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda.
En comparación con otras versiones pasadas del tema, como la famosa estatua el David de Miguel Ángel, se muestran cualidades paradigmáticas de la escultura del Barroco. Sobre la placidez clásica y renacentista, Bernini introduce emoción y dinamismo.
Al contrario que en obras más tempranas del artista, esta obra no presenta el mismo énfasis vertical. El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se dispone a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado. La figura está en tensión, el movimiento y la potencia están implícitos. La cara muestra concentración, con el ceño fruncido e incluso mordiéndose el labio inferior. Este David no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzándose para lograr sus metas. Tras la figura, yacen varias armas descartadas, recordándonos que esta no es una batalla ganada a través de un armamento superior, sino de un esfuerzo físico. A sus pies, un arpa hermosamente tallada, que indica que David se convertirá en un poeta.
Tampoco es típico de las esculturas anteriores de Bernini el representar un hombre, en otras obras como Apolo y Dafne elige modelos mucho más jóvenes y delicados.
La obra de Bernini irradia un espíritu de batalla contrarreformista, y tal vez también la lucha de un joven artista por hacerse un hueco no sólo entre los escultores de su época, sino tratando de culminar la historia de la escultura renacentista.


LA FUENTE DE LOS CUATRO RÍOS .

La escultura de la Fuente de los Cuatro Ríos, se encuentra en la Piazza Navona de Roma (Italia) y fue ideada y tallada por el escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini en 1651 bajo el papado de Inocencio X, en plena época barroca, durante el periodo más prolífico del genial artista y cerca de la que en otro tiempo fue la Chiesa de San Giacomo de gli Spagnoli
La fuente se compone de una base formada de una gran piscina elíptica, coronada en su centro de una gran mole de mármol, sobre la cual se eleva un obelisco egipcio de época romana, el obelisco de Domiciano.
Las estatuas que componen la fuente, tienen unas dimensiones mayores que en la realidad y son alegorías de los cuatro ríos principales de La Tierra (Nilo, Ganges, Danubio , Río de la Plata), cada uno de ellos en uno de los continentes conocidos en la época. En la fuente cada uno de estos ríos está representado por un gigante de mármol.
Los árboles y las plantas que emergen del agua y que se encuentran entre las rocas, también están en una escala mayor que en la realidad. Los animales y vegetales, generados de una naturaleza buena y útil, pertenecen a especies grandes y potentes (como el león, caballo , cocodrilo, serpiente, dragón, etc.). El espectador, girando en torno a la fuente, descubre nuevas formas que antes estaban escondidas o cubiertas por la masa rocosa. Con esta obra, Bernini quiere suscitar admiración en quien la mira, creando un pequeño universo en movimiento a imitación del espacio de la realidad natural.

 Los animales de la fuente .

La fuente presenta figuras de siete animales, además de una pequeña paloma y el emblema de los Pamphili. Para poder observarlas basta con dar una vuelta alrededor de la fuente. Las figuras son: un caballo, una serpiente de tierra (en la parte más alta, cerca del obelisco), una serpiente de mar, un delfín (que funciona también como desagüe), un cocodrilo, un león y un dragón. Notar también la vegetación esculpida que parece real .

Archivo:Fontana dei fiumi, leone.JPGEl león. 


Archivo:Fontana dei fiumi, coccodrille.JPG El cocodrilo.


 Archivo:Fontana dei fiumi, serpente di mare.JPG La serpiente de mar.


Archivo:Fontana dei fiumi, cavallo.JPGEl caballo.


Archivo:Fontana dei fiumi, serpente di terra.JPGLa serpiente de Tierra.


Archivo:Fontana dei fiumi, delfino.JPGEl delfín.


Archivo:Fontana dei fiumi, drago.JPGEl dragón.


Archivo:Fontana dei fiumi, stemma.JPGLos animales del emblema.

PLAZA NAVONA .

La Plaza Navona (Piazza Navona en italiano) es una de las plazas más famosas de Roma y de todo el mundo por la belleza de las obras de arte presentes en la misma, por ejemplo la que en otro tiempo fue la Chiesa di San Giacomo di Spagnoli.
La plaza sigue el trazado de un antiguo estadio, el Stadium de Domiciano, del siglo I , cuando los romanos iban a él a ver los agones («juegos»). Se le conocía como Circus Agonalis. Se cree que con el tiempo el nombre cambió de in agone a navone y con el tiempo a navona. Se estima que tenía capacidad para 30.000 espectadores y aún pueden verse algunos restos de la antigua estructura al norte de la plaza.
Definida como plaza en los últimos años del siglo XV, cuando se trasladó el mercado desde el Capitolio aquí, la plaza Navona pertenece a la etapa barroca romana, concretamente del papado de Inocencio X. Tiene creaciones escultóricas y arquitectónicas, como las bellas fuentes de Gian Lorenzo Bernini . La más importante de ellas es la que se encuentra en el centro: la Fuente de los Cuatro Ríos (Fontana dei Quattro Fiumi) de 1651; representa los cuatro grandes ríos del mundo conocido por entonces.
Había una rivalidad entre Bernini y Borromini y se puede apreciar que uno de los cuatro ríos está con la mano alzada como protegiéndose delante de la iglesia que construyó Borromini porque temía que se derrumbara.
La plaza Navona contiene otras dos fuentes esculpidas por Giacomo della Porta — la Fontana di Nettuno  (1574), ubicada en la zona norte de la plaza Navona, y la Fontana del Moro (1576), ubicada en el extremo sur.

Plaza Navona .


 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
La Fuente de los Cuatro Ríos, con los obeliscos egipcios, en el medio de la plaza Navona.

FONTANA DE TREVI .

La Fontana de Trevi tiene sus orígenes hacia el año 19 AC, cuando se descubrió un manantial de agua pura muy cercano a Roma, lo que se atribuyó a la intervención de la virgen. Este manantial dió origen a la construcción de un acueducto en cuyo final, como era costumbre en la época, se construyó una fuente, la primitiva Fontana de Trevi.
  A lo largo de la historia se sucedieron las modificaciones en el diseño original de la fuente, y así arquitectos como Bernini, Salvi o Panini, el encargado de terminar la fuente y dejarla tal y como la conocemos ahora.

  La Fontana de Trevi es la mayor de las fuentes barrocas de Roma, y presenta elementos que recuerdan sus orígenes romanos (aunque su emplazamiento no era el actual, sino que se encontraba a unos metros de donde está), y es sin duda la fuente más conocida y mágica del mundo, y probablemente también la más impresionante y bella, a lo que contribuye la presencia justo detrás del Palacio Poli, presencia que hace que la imagen de de Fontana de Trevi sea realmente impresionante e inolvidable.
La leyenda .

Existe una leyenda urbana que dice que todo aquel que lanza una moneda a la Fontana de Trevi (el ritual exige que se haga de espaldas, con la mano derecha y por encima del hombro izquierdo) acabará volviendo a Roma, y lo cierto es que no hay un solo turista que no cumpla con el ritual, hasta el punto que las monedas son recogidas todos los días y destinadas a la beneficencia (antes las recogían otros también a diario pero para su propio beneficio). Lo que no es tan conocido por los que visitan Roma es que si se lanzan dos monedas en vez de una se encontrará el amor en Roma, y si se lanzan tres monedas el que lo haga se casará en Roma.

jueves, 2 de junio de 2011

PLAZA DEL BATICANO .

Plaza de San Pedro del Baticano .
Tras el pontificado de Inocencio X, Bernini se ve otra vez auspiciado de la mano de Alejandro VII Chigi, el cual trata de hacer de la arquitectura el modo más evidente de exhaltación del poder estatal del pontífice.Así encarga a Bernini el diseño de la Plaza de San Pedro, construida entre 1656 y 1667, con el fin de crear un sitio capaz de acoger grandes congregaciones de fieles y corregir en parte el efecto de la ampliación del brazo oriental de la basílica.
El proyecto original pretendía la construcción de una plaza cerrada, con dos brazos laterales y un tercero que la aislaba, creando un espacio diferenciado y recoleto. Tras este tercer brazo de la plaza se encontraba originalmente una manzana de casas, el Borgo Leonino, adaptándola así al contexto urbanístico. Este tercer brazo no se llego a construir, quedando la plaza con un aspecto muy similar al actual.
El diseño de la plaza simboliza al pontífice coronado con la tiara (cúpula de San Pedro) y con los brazos abiertos, acogiendo a toda la cristiandad. Otro de los proyectos presentados por Bernini simbolizaba a Cristo crucificado. Además el pontífice exigió que la plaza permitiera que todos los situados en ella vieran cómodamente la Lonja de la Bendiciones y las estancias vaticanas, desde donde se realizan las bendiciones papales.
La plaza de San Pedro se compone en realidad de dos plazas tangentes, una de forma trapezoidal y otra elíptica. La plaza trapezoidal se cierra hacia nuestro frente reduciendo ópticamente la fachada de Maderno y logrando que los espectadores situados en la plaza elíptica perciban la concepción original de la cúpula de Miguel Ángel.
Las columnas se encuentran organizadas radialmente en torno al punto de generación de la elipse, creando un espacio desbaratado ópticamente. El estilo cultivado por Bernini es bastante clásico, casi arqueológico, con un sentido muy sobrio en el uso del orden toscano, aunque dinámica y escenografía es barroco. El uso de columnas con balaustradas y estatuas nos recuerda a Palladio en el Teatro Olímpico. Un eje tetrástilo de columnas pareadas rompe la monotonía de los tramos medios.

BALDAQUINO .

 El Baldaquino de San Pedro , encargado a Bernini en 1624, representa este concepto de exaltación papal. Éste fue realizado por Bernini con su padre Pietro como primer oficial y con la colaboración de Borromini a partir de 1629, finalizándose en 1633. El baldaquino se encuentra realizado completamente en bronce sobredorado, combinando elementos escultóricos y arquitectónicos. Este baldaquino, dentro de la concepción miguelangelina de San Pedro como templum, cubre la tumba del apóstol.
Esta es una estructura a medio camino entre la arquitectura y la escultura, utilizando columnas salomónicas por primera vez desde la Antigüedad, y tratando de crear un espacio más acorde al espectador. Así sirve de intermediario entre la escala colosal de la basílica y la humana del espectador, antropizando en espacio.
El uso del orden salomónico es un tanto arbitrario, usando en las columnas un canon similar al corintio y con un dado de entablamento sobre ellos, estando unidos estos por guardamalletas imitando decoración textil. El conjunto se halla coronado por cuatro cornapuntas, realizadas por Pietro y Borromini, del cual apreciamos un cierto influjo. Las columnas están decoradas por pámpanos de vid, referencia a la eucaristía, en los cuales liban abejas, en alusión al escudo de los Barberini.
Este escudo lo encontramos también en los relieves de los podios.

GIAN LORENZO BERNINI .

Gian Lorenzo Bernini nació en Nápoles en el 1598 y murió en Roma el 1680 . Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. Aprendió los rudimentos de la escultura en el taller de su padre, Pietro (1562-1629), un escultor manierista de cierto relieve. Fue también su padre quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz.

EL ARTE BARROCO .

Antecedentes .

El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos de este periodo . Frente a la tendencia protestante a construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin decoración, la iglesia católica usó para sus fines litúrgicos la grandiosidad y la complejidad barroca .
Es caracterizada por la acumulación de formas y excesos de super posición . Aparecen columnas y pilastras retorcidad , efectos ilusionistas , figuras con cuadros , con luz antinatural y muros .

Carecterísticas del barroco .

1. Su sentido de movimiento , energía y tensión .
2. Fuentes de contrastes de luces y sombras .
3. Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia de las escenas de éxtasis , de martirios y de apariciones religiosas .
4. Naturalismo y sobre todo se va a intentar plasmar a los personajes la verdadera personalidad , los sentimientos interiores , que aparecerán reflejados en el rostro de los personajes , y la busqueda de la psicología de los personajes .

Características de la pintura .

- Se impuso el realismo , es decir , se representan las cosas tal y como son , incluso los defectos .
- Se utilizaba una técnica llamada cloroscuro , que crean zonas de gran sombra o oscuridad que lo mezclaban con otras de intensa luz .
- La representación de gran emotividad .
- Escenas religiosas , retratos , mitología , escenas cortesanas e imágenes de la vida cotidiana .
- Mayor movilidad y fuerza .

Arquitectura .

Características :
# . Tuvo como objetivo de emocionar y llamar la atención del espectador , por loque utilizarán lo siguiente :
- El uso de la línea curva , tanto en las estructuras de los edificios como en la decoración .
- Destaca el uso de las columnas salomónicas que tienen forma espinal , y dan sensación de movimiento .
- Utilizan efectos luminosos en los edificios a través de una gran profesión de entrantes y salientes , y se juega con las luces . Fachadas con gran profundidad .
- Abundancia de decoración y adornos .
- Utilización de materiales ricos , para producir una sensación de ostentación .

Escultura .

Se caracteriza por su fuerza y momuntamenilidad .
Características :
- Se impuso el realismo en las representaciones . Los detalles del cuerpo humano se  representarán minuciosamente .
- Las representaciones muestran un gran patetismo y se dió la teatralidad en los gestos . Hubo un gran interés por plasmar la psicología de los personajes .
- Las figuras adquieren gran movilidad , energía y vitalidad .
- Se potenciaron los efectos luminosos . Los pliegues de ropa y los gestos de la figuras provocaron combinaciones de luces y sombras .
La temática due muy variada . En todos los casos se desarrollaron los retratos y las escenas mitológicas .

EL BARROCO .

El barroco , fue un periodo de la historia en la cultura occidental que produjo obras en el campo de la literatura , la escultura , la pintura , la arquitectura , la danza y la música y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 . Se suele situar entre el Renacimiento y el Neoclásico , en una época en la cual la Iglesia católica europea tuvo una reacción contra muchos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y una nueva religión disidente dentro del propio catolicismo dominante : la  Reforma Protestante .
El  fue una corriente cultural que abarcó todas las manifestaciones artísticas desde los inicios del 160, extendiéndose a lo largo de aproximadamente 150 años .
Se manifestó en la mayoría de los  países europeos y americanos (no olvidemos que América se encontraba recientemente colonizada por los españoles, portugueses e ingleses).
Los motivos del surgimiento de esta nueva manifestación se dieron por varios factores, especialmente relacionados con el mayor exponente de la iglesia católica: el Vaticano. Éste se encontraba bajo duras críticas  por parte de diversos sectores, que cuestionaban sus actos de corrupción, la reforma protestante  estaba haciéndose sentir, cuestionando a la iglesia católica con la existencia de la virginidad de María y la autoridad del Papa , factores que debilitaban profundamente el poder del clero.

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